Christopher Dresser – Kult der Schönheit

Christopher Dresser - Kult der Schönheit einer der Mitherausgeber

* Herausgegeben von Stephen Calloway und Lynn Federle Orr
Mit Hilfe von Esme Whittaker.
V&Ein Verlag 2011

Die Ausstellung, auf dem das Buch basiert, wird als erstes über das Thema jedoch der Katalog der Ausstellung „behauptet,Die ästhetische Bewegung und die Cult of Japan ‚An der Fine Arts Society statt, über 40 Jahre im Jahr 1972 vor, beweist dies nicht der Fall zu sein. Nach dem Schutzumschlag ist dies die neue und spannende Geschichte von „Kunst um der Kunst willen“ mit einem schillernde Charaktere, romantische Bohemiens, Einzelgänger Figuren mit extravaganten Lebensstil Paläste der Kunst der revolutionären Architektur und Inneneinrichtung zu besetzen; einer der Mitherausgeber hat ein Leben lang studiert Romantik, Dekadenz und dandyism verbrachte und nicht überraschend daher diese in der Bücher Interpretation widerspiegelt


Das Buch behauptet, es sei „V&Ein Gelehrter, der die Wiederentdeckung der ästhetische Bewegung Pionier bei der Montage Viktorianischen und edwardianischen Dekorative Kunst 1952, auch wenn der Katalog dieser Ausstellung enthält keinen Hinweis auf die ästhetische Bewegung. Vielleicht ist dies wurde mit dem Pionier Buch „verwechseltDie ästhetische Bewegung, Vorspiel zum Jugendstil „, Die von Elizabeth Aslin der V&A, im Jahre 1969?

In der Einleitung zu ihrem Buch dachte Aslin, dass die Bewegung mit der Arbeit von „ein paar Architekten und Designer in den sechziger Jahren“ entstanden war, während dieses neue Buch die Theorie heckt, dass die Bewegung mit der Arbeit von „unkonventionellen Künstler begann wie Rossetti oder Whistler, die von „gefährlich“ Französisch Ideen beeinflusst worden war, zusammen mit Beiträgen von „Avantgarde-Designer ‚um‘ revolutionäre ‚William Morris zentriert fast ausschließlich die tatsächlich die Bewegung verachtet.

Aslin des Die ästhetische Bewegung Bibliographie enthalten keinen Hinweis auf die Bücher der Architekten und Designer Owen Jones oder Christopher Dresser aber inklusive 2 von Oscar Wilde, ein literarisches Genie, aber kein Künstler und kein Designer.

Der Index hatte ein Verweis auf Owen Jones (in dem sein Die Grammatik des Ornaments war unglaublich als bloße Krippe) entlassen; 2 bis Christopher Dresser (auch Belgien hatte 3) und 25 bis Oscar Wilde. William Morris (und die Firma, die seinen Namen trägt) hatte 31 Einträge.

Ein Vergleich, 40 Jahre auf, mit der Bibliographie Der Kult der Schönheit zeigt, dass die Werke von Owen Jones wieder abwesend sind; dass es, begrudgingly, bezogen auf 1 Buch von Christopher Dresser; noch 6 von Oscar Wilde. Die seltsame und hartnäckige Weglassen des unverzichtbar Die Grammatik des Ornaments 1856 ist nach wie vor fremd, wenn man bedenkt, dass William Morris eine Kopie besaß, und dass seine dekorative Arbeit mit den Sätzen auf Ornament erfüllt, so sorgfältig ausgearbeitet und als Vorwort dargelegt. Tatsächlich stellten sie offizielle Doktrin des South Kensington; 37 Satz festgelegt, dass „keine Verbesserung in der Art der heutigen Generation, bis alle Klassen, Künstler, Hersteller und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden besser ausgebildet in der Kunst, und die Existenz von allgemeinen Prinzipien ist vollständiger anerkannt zu nehmen.“ Jones riet auch, dass „Um zu versuchen, Theorien der Kunst aufzubauen, oder einen neuen Stil zu bilden, unabhängig von der Vergangenheit wäre ein Akt höchster Torheit.“

Sicherlich sind diese Bücher als wesentlich für das Verständnis des Themas wie seine Principles. während Wildes Das Porträt von Dorian Gray 1890 ist das nicht? Wurden diese ausgeschlossen worden, weil sie Beweise für die Existenz eines alternativen bieten, voll ausgebildete Design-Revolution, die die Grundlage der Ausstellung zunichte macht?

Warum war Carol A. Hrvol Flores Owen Jones 2006 nicht zitiert? Widar Halen Christopher Dresser 1990 oder Stuart Durant Christopher Dresser 1993 oder Michael Whiteway Shock des Alten, Christopher Dresser Design-Revolution 2004 sind alle fehlen, wenn einer, wenn nicht alle, vernünftigerweise als wesentlich angesehen werden. Die gerechte und wesentliche Einbeziehung der neueren modernen Monographien über E. W. Godwin und T. Jeckyll legt nahe, dass der Verzicht auf jegliche Monographien über Jones und Dresser war eine bewusste Trick, und nicht eine unglückliche Versehen.

Der Kult der Schönheit Vorwort enthüllt offen den Grund für diese Informationen Black-Hole – ‚Die Ästheten proklamiert die entscheidende Bedeutung von Schönheit in der Kunst wie im Leben, im Bedauern über die Hässlichkeit, Vulgarität und die zunehmende Kommerzialisierung des Zeitalters, die reduktive Utilitarismus von Prinz Albert und Sir Henry Cole und das Beamtentum des Tages. „

Ist das nicht zu behaupten, dass Prinz Albert und Sir Henry Cole zu den Ästheten in der Opposition waren und Schönheit in Kunst und Leben, und dass sie irgendwie verursacht oder waren für die Vulgarität und Hässlichkeit verantwortlich? Dies scheint die Kritik an den Erfolg der 1851 Weltausstellung der Industrie aller Nationen, abgeleitet werden sollen, für die Prince Albert und Cole weitgehend verantwortlich waren, mit einem Schwerpunkt auf dem bekannten Scheitern der künstlerischen Niveau der Exponate, für die der Hersteller verantwortlich waren. (Ein Fehler in der künstlerischen Standards, die zu dieser Zeit als die in allen Ländern, darunter Frankreich anerkannt wurde;. Ein Konzept, das Sinn macht, wenn man bedenkt, dass der britische Entwurf circa 1851 wird anerkannt, wie die der Französisch folgenden) Cole ging zu etablieren die ‚South Kensington‘ System als ein Mittel, höhere Ansprüche an Design induzieren in herstellt. Jones und Dresser waren unerschütterlichen Anhänger von South Kensington.

Hat der Einfluss von Cole und South Kensington verdampfen zwischen 1851 und 1860 oder später? Natürlich nicht, es erhöht und dies wurde zu der Zeit anerkannt. Ein Bericht über den späten 1870er Jahren festgestellt, dass „Mehr als tausend Studenten (überwiegend Frauen) werden jährlich in allen Bereichen der Technik ausgestattet, – Maler, Bildhauer, Graveure, Lithographen, Architekten und sowie öffentliche Ausbilder Designer. Die Prüfungen sind die gleichen, außer dass Frauen sind nicht erforderlich, die Papiere in Maschinenziehen oder Architektur zu nehmen. “ Er stellte fest, auch als mindestens 300.000 Schüler dann in irgendeiner Form in den 130 freien Ausbildungsschulen in Großbritannien Kunst studierten mit South Kensington.

Trotz dieser, in der Erzählung von der „mittelalterlichen“ Romanze, die zu folgen war, musste die Bühne, um sauber gefegt werden, dass andere Spieler könnten die Sterne Rollen übernehmen – geben Morris, Marshall Faulkner & Co. im Jahre 1861 gegründet.

Die Legende, wie in der neuen V beschrieben&Ein Buch folgt die Version in Gillian Naylors angeboten Die Kunst und Kunstgewerbe 1971, die die von Coles ‚South Kensington‘ behauptet:

„In ihrer Sorge um die Rationalisierung und die Reform der ornamentalen Prinzipien, diese Möchtegern-Reformer besessen nicht mit Form, aber mit Dekoration; sie wurden durch eine unvollständige Kenntnis der Technik der Herstellung frustriert, ob Maschine oder Fahrzeug-basiert und durch ihre Unfähigkeit, alle gültigen Verbindungen mit der Industrie zu etablieren. „

Ironischerweise gilt diese Aussage leichter zu Morris Marshall Faulkner & Co., anstatt nach South Kensington, wo die Reformer so besorgt mit Form so viel wie mit Dekoration und darüber hinaus etabliert enge und dauerhafte Beziehungen mit Firmen wie Elkington und Minton waren. Im Gegensatz entworfen Morris nichts anderes als flache Muster- Teppiche, Textilien und Tapeten. Doch die Geschichte der Kunst und Handwerk-Bewegung (und jetzt, wenn die Autoren sind zu glauben, wie auch die ästhetische Bewegung) wurde um Morris hergestellt.

Das Vorwort zum V&Ein Buch bestätigt, dass diese veraltete Anti-South Kensington, pro- Morris Credo noch gefördert werden, ist heller zu machen Morris glänzen. Barbara Morris (nicht verwandt) arbeitete an der V&A und schrieb Inspiration for Design 1986 (von der V veröffentlicht&A), aber ihre sachliche Darstellung des enormen Einfluss des Systems ‚South Kensington‘ gleichzeitig genaue und ausgewogen, erscheint nicht konsultiert worden zu sein, wie es aus der Bibliographie fehlt.

Das Vorwort des Buches und die Autoren der Ausstellung setzen ihren Glauben, dass Kunst um der Kunst willen “ die Überzeugung der ästhetischen Bewegung in dem Satz kurz und bündig ausgedrückt „. Auch hasste Morris den Begriff, es ein Stück Jargon nennen.

Die Autoren scheinen verwirrt zu haben nicht nur die Eigenschaften der Schönen und der Kunst, sondern auch die Gründe für die Reform in diesem Zeitraum. Kunst unterscheidet sich von der Kunst, aber die lobenswerte Wunsch nach Gleichberechtigung bei Künstlern in beiden Zweigen der Kunst erkennen, scheint zu der irrigen Annahme geführt zu haben, die beide unterliegen den gleichen Grundsätzen. Dies wird auch durch den Kommentar auf Seite 77 dargestellt ‚hier Malerei strebt nach dem Zustand der dekorativen Kunst: die prächtige Darstellung von Figuren Tiere und Draperien in endlose Variation ist sein eigenes Ende. “ Dies wäre zu vergessen, dass der primäre Zweck der Kunst ist Programm.

Die Einflüsse Fine Art beeinflussen, sind verschieden von denen der Kunst zu beeinflussen. In Fine Art empörte sich die Präraffaeliten gegen die Royal Academy und suchte Inspiration im frühen europäischen Kunst. Die Reform in der dekorativen Künste wurde durch die Annahme der Grundsätze der Entwurf in der Studie der Welt Ornament und gefördert von der South Kensington-System entdeckt erreicht. Die Bedeutung der Ost-oder orientalische Kunst, vor allem aus China, Japan und Indien, durch die zahlreichen Elemente der dekorativen Kunst durch das Museum erworben markiert ist, lange vor der Ankunft von Whistler aus Frankreich.

Die neuen orientalischen Einkäufe, und Beispiele der modernen von ihnen beeinflusst dekorative Kunst, war zu sehen, wie es beabsichtigt war, von Studenten der School of Design, Herstellung und der breiten Öffentlichkeit, im Museum of Manufactures (später das Museum der Ornamentik, und schließlich die V&A) von 1853. Im Gegensatz dazu behauptet, das Buch, dass es Künstler war, der die Reform führte (einschließlich der in der dekorativen Gestaltung), trotz der Tatsache, dass ihre Werke zu einem überraschenden Grad blieb im Wesentlichen private Aktivitäten, zunächst nur von sehr wenigen und gesehen , mit wenig signifikant breiter influence.’p.15. Es scheint ziemlich offensichtlich, die mehr Wirkung gehabt hätte.

In dem Buch und Ausstellung dieser vor 1867 erstellten Objekte werden fast ausschließlich Produkte im mittelalterlichen Stil jedoch trotz dieser einseitigen Ansatz-Morris im Zusammenhang mit den Autoren nicht anerkannt wird, dass zeitgenössische Meinung gehalten vermeiden könnte, dass es eine „deutliche Verbesserung bei der 1862 Ausstellung war, mit unthinking Historismus Weise reformiert Design zu geben. “ Der Ursprung dieser Reform wird nicht diskutiert und es werden keine Beispiele dargestellt. Es gibt keine Erwähnung der verschiedenen revolutionären Minton chinesischen beeinflusst Keramik an der 1862 Ausstellung gezeigt, von denen Beispiele für wurden gekauft und bleiben in der Sammlung des Museums; vielleicht wurden diese weggelassen, da keine vergleichbaren ‚Morris‘ Keramik bestehen, auf dieser oder einer anderen Zeit?

Keine Darstellung ist zu einer der gefunden „frühesten Interieur Dekoration eindeutig Japaner in Inspiration zu übernehmen ‚- der Grill Room 1866 an der V&Ein Museum, in dem der Ofen von (Sir) E. J. entworfen wurde, Poynter (früher ein Schüler der Schule) und integriert Fliesen von weiblichen Studenten der Schule gemalt; keine Beschreibung der chinesischen, japanischen und indischen Gerichte von 1863, an der V&A, dekoriert von Owen Jones, unterstützt von Christopher Dresser; keine Beispiele für die Pionierebenholz und Elfenbein Möbel, entworfen von Owen Jones in einem völlig neuen Stil, für Fonthill House, Wiltshire 1863 oder andere Möbel für den gleichen Kunden bei 16 Carlton House Terrace, London 1865, die so leicht dargestellt wurden, könnte vergleichen mit den wenigen bekannte Beispiele von Möbeln aus Morris, Marshall Faulkner & Co.

Die Bedeutung der „Kunst um der Kunst willen“ in ihrer Anwendung auf die Kunst ist nicht ausreichend erklärt. (Möbelgeschichte, 1970, S.90) Auch hier auf S. 15 wird festgelegt, dass das Konzept – es wurde an anderer Stelle, dass „die unvermeidliche Folge der Romantik. Kunst um der Kunst willen, oder Ästhetizismus war in erster Linie eine literarische Bewegung“, erklärte Kunst für war der Kunst willen „eine zentrale Lehre der Pariser literarischen Avantgarde.“ Doch die englische ästhetische Bewegung, wie auch in diesem Konto ausgeführt, ist eindeutig nicht auf Literatur.

Das Buch enthält viele Porträts von tatsächlichen Menschen, und es könnten diese in Ordnung geschaffen wurden angenommen werden, dass der Sitzende anerkannt werden sollte, wie es in Jane Morris durch Rossetti, die genau darstellt Jane Morris. Sicherlich Das Täuschen von MERLIN von Burne-Jones hat Erzählung und Whistler Blau und Gold. Alte Battersea-Brücke zeigt einen bestimmten Ort? Wie sind diese „Kunst um der Kunst willen“? Sie existieren nicht ’nur schön zu sein „mehr als Der Canal Grande, Venedig von Turner oder Whistle von Stubbs. Warum illustriert die vielen Bilder betrachtet Aesthetic Movement Bilder, und nicht wie üblicherweise beschrieben, Präraffaeliten, Romantisch, Impressionist oder symbolistische Bilder zu sein, die zufälligerweise in der ästhetischen Bewegung Ära ausgeführt worden sind?

In Amerika, vor allem wird es das unvermeidliche Vergleich mit dem Ausführungs Buch In der Verfolgung der Schönheit, die Amerikaner und die ästhetische Bewegung 1986-7, die den Autoren offensichtlich nicht bekannt ist, da sie nicht in ihrer Bibliographie erscheint. Das Vorwort zu dem amerikanischen Buch erklärt deutlich, dass:

„Der Begriff Ästhetische Bewegung bezieht sich auf die Einführung von Prinzipien, die Technik bei der Herstellung von Möbeln, Metallarbeiten, Keramik, Glasmalerei, Textilien, Tapeten und Bücher betont.“ Hinzufügen, dass „Cole South Kensington Kreis half Theorien formulieren, die die ästhetische Bewegung zu geben Richtung waren“ und dass „Die Grammatik des Ornaments würde die Ästhetizismus der nächsten drei Jahrzehnte in Kenntnis. “ Dieser Ansatz ist wunderbar logisch.

Wenn das amerikanische Beispiel folgt und die Erklärungen der dekorativen Künste zu finden in Der Kult der Schönheit 4 Kapitel die ästhetische Inneneinrichtung: Handbücher und Theorien, und seine verschiedenen Untertitel, getestet wird gefunden werden, dass:

In ‚Wallpaper‘ wird behauptet, „kann die Revitalisierung der Tapetenentwurf weitgehend zu William Morris gutgeschrieben“ wer „die Kunst revolutionierte von flachen wiederholendes Muster entwerfen ‚und deren Originalität lag in seiner Fähigkeit, eine kontrollierte Naturalismus in flachen, stilisierte Muster zu integrieren und seine Fähigkeit, die Wiederholung in Verschleierung „. Diese Interpretation versagt zu überzeugen, wenn sie gegen eine moderne Meinung gesetzt ist wie Gebäude-Nachrichten die festgestellt, von Dr. Dresser bereits 1865, dass „in den frühen Teil seiner Karriere vor allem als Designer von Tapeten, Textilien und Teppiche aktiv gewesen waren, die ihm den Ruf, zu den aktivsten Erneuerer in der dekorativen Kunst des Tages verdient . ‚ Morris hatte nur zwei Tapetenentwürfe zu seinem Kredit von 1865, Gitter. die er entworfen, um mit Philip Webb und Gänseblümchen. ganz auf seine eigene; sowohl in Proposition 13 von Owen Jones folgen seinem Die Grammatik des Ornaments 1856 und konventionelle Darstellungen von natürlichen Formen beschäftigen.

Es wird in ‚Ästhetische Textilien „stellte fest, dass“ wie der Reformer, ästhetische Designer flache Muster bevorzugt und zurückhaltend wiederholt „, als ob die Reformer vom Sein Ästhetische Designer ausgeschlossen waren. Ein perfektes Beispiel für Reformer und Designer können so leicht durch die V dargestellt wurden&Eine Stichprobe von Stanhope eine gewebte Seide von c.1874 von Owen Jones entworfen, die jede unbegründete Vorstellung haben ausgeräumt würden, dass die Reformer Designer „dogmatisch oder starren“ waren, als sie herkömmliche Design verwendet.

Aus unerklärlichen Gründen gibt es keinen Teppich Abschnitt. Die Autoren verpasst eine wunderbare Gelegenheit, zu erklären, warum William Morris Entwürfe für maschinell gefertigte Teppiche von kommerziellen Unternehmen gemacht, zu denen nach Entwürfen von professionellen Designern erworben gemacht, so unterschiedlich sind. Sicherlich einer der zwanzig sechs Autoren konnten auf diesem wesentliches Element jedes Interieur Schema der Dekoration geschrieben, und seine Bedeutung als Kunst Herstellung?

Unter der Überschrift „Kunst und Utility: Möbel Fit for Purpose“ Der amerikanische Architekt und Gebäude-Nachrichten „Die Originalität und Vielfalt der britischen Furniture.was viel von Continental Besucher auf der Pariser Weltausstellung im Jahre 1878 bewundert ‚wird den Worten zitiert, aber es könnte fügte hinzu, dass dies nur ein Element des“ englischen Stil „war, auch von Lewis Tag bemerkt und andere, die allgemein bewundert wurde und auch von der Französisch nachgeahmt. Was war das „englischen Stil“, wenn nicht die ästhetische Bewegung?

Der Abschnitt über „Keramik“ vernünftigerweise zu erwarten hätte man erklären, dass Mintons Kunstkeramik im Kensington Gore zum South Kensington Schule und Museum wegen seiner Nähe lag. Leser sich mit Geschlechterfragen, ein Thema, das an anderer Stelle im Buch erhebliche Deckung erhält, sicherlich hätte die Tatsache hingewiesen, dass die Studio dort vorgesehenen Arbeiten zwischen zwanzig und fünf Künstlerinnen zwanzig-, die ihre Ausbildung in South Kensington, Queen Square abgeschlossen hatte und Lambeth Schulen.

Das V&A eine der umfangreichsten Sammlungen von Glas in der Welt, aber wählen nicht einen einzigen Punkt zu erwähnen oder zu illustrieren, nicht einmal von Philip Webb für William Morris und von James Powell und Sons entworfen Beispiele von 1861. Die revolutionäre Clutha Glas von Dr. Dresser entworfen im Jahr 1888 könnte ästhetische Glas und die V zu epitomize betrachten&A verfügt über hervorragende Beispiele in seiner Sammlung. Der internationale Einfluss dieses Glas auf Gallé (Frankreich) und Tiffany (Amerika) verdient Feier und ist besonders relevant, da die Ausstellung (auf dem das Buch basiert) reist nach Frankreich und Amerika – vielleicht eine Erfolgsgeschichte darstellt, wurde gedacht, zu chauvinistisch – zu viel Strich?

Glasmalerei wird von einem 33cms x 16cms Panel von Morris Marshall Faulkner vertreten & Co. und rätselhaft zu c.1860 datiert, obwohl die Firma im Jahr 1861. Glasmalerei ist eine echte dekorative Kunst gegründet wurde – es hat die Funktion aus Licht in und halten Wetter zu lassen. Warum sonst das Museum, das Medium und die dazugehörigen Designer meidet, wenn andere nicht-visuelle Ästhetik der Künste wie Literatur und Musik übermäßige Exposition zu erhalten, ist unerklärlich.

Es ist schwierig, mit dem Vorschlag im Abschnitt über Besaeumsaegen, dass alle ‚Dresser‘ galvanisieren Geschirr war undecorated, während seine Entwürfe in Silber zu einigen konnten reich verziert werden „, wie diese Hierarchie einfach angenommen, gibt es nicht – zumindest nicht in den Beispielen außerhalb des V&Eine Sammlung. In diesem Abschnitt wird erkannt, dass Dresser ‚kann nur richtig im Rahmen der ästhetischen Bewegung verstanden werden, der er war ein wichtiger Faktor „, aber leider ist dies nicht an anderer Stelle im Buch weiterverfolgt.

Umzug ab, hatte der Abschnitt über Schmuck, die Gelegenheit zu erwähnen mehr voll und ganz den Kauf von South Kensington in 1869 von 374 Artikel der modernen italienischen Schmuck von Alessandro und Augusto Castellani besonders für die Zirkulation in den Provinzen; oder dass Henry Cole eine Sammlung von chinesischen und indischen Schmuck in das Museum während bei Marlborough House geliehen hatte; dass der Londoner Juwelier haben Giuliano muss sicherlich zumindest einen Teil seiner Inspiration und Begeisterung für die traditionelle indische und ‚Bauer‘ Schmuck aus zahlreichen solcher Gegenstände in South Kensington Sammlung seit den 1860er Jahren gesammelt?

Die „Skulptur“ Abschnitt, obwohl einer der wenigen, die „South Kensington School“ versäumt zu erwähnen ausreichend seine bemerkenswerte Einfluss auf diesen Zweig der Kunst zu betonen. Wenn Alfred Stevens im Jahr 1845 nur kurz in der Schule unterrichtet, seinen Einfluss weiter durch seine Schüler Godfrey Sykes, James Gamble, Reuben Townroe und F. W. Moody, die alle eng mit dem Museum verbunden ist, die Beispiele von Stevens ‚Arbeit gesammelt. Alphonse Legros lehrte an South Kensington Ätzen und es war durch seinen Einfluss, dass sein Freund Jules Dalou beschäftigt war dort from1871 zu lehren – 1879. Er aus dem Jahr 1880 von Edward Lanteri folgte. Es ist sicherlich bedeutend, dass E. Lanteri, A. Drury und A. Gilbert alle Assistenten zu Sir Joseph Boehm waren, und dass Albert Toft, Fairfax Wells, Alfred Gilbert, und Alfred Drury alle studierte unter Lanteri? Ein Continental Einfluss? Sicher, aber wo sie gelehrt?

„Das Buch Beautiful ‚zeigt nichts aus der Zeit vor 1870 und konzentriert sich auf Rossetti, Rachitis, Burne-Jones und Morris. Warum sind die Bücher Das Paradies und die Peri (1860) im persischen Stil, oder die Victoria Psalter (1860) im gotischen Stil, oder die Die Geschichte von Joseph und seine Brüder (1862) im ägyptischen Stil, die alle von diesem Meister des Chromolithographie Owen Jones, nicht erwähnenswert? Es kann nicht sein, dass sie nicht schön sind, vielleicht sind sie unangenehm früh?

Sowohl das Buch und die Ausstellung bieten eine hervorragende Möglichkeit, erstklassige Bilder und Objekte von der Zeit zu sehen, aber die Untertitel Die ästhetische Bewegung. 1860-1900 und die Nachweise für die Theorien zur Unterstützung nach vorne einfach gesagt nicht zu überzeugen.

Der Französisch-Titel Beaute, Moral et Volupte dans l’Angleterre d’Oscar Wilde mehr beschreibt genau die primären Interessen der Autoren. Das amerikanische Buch In Pursuit of Beauty, Amerikaner und die ästhetischen Bewegung ,1986 stellt nach wie vor die zwingendsten Erklärung der ästhetischen Bewegung in England und Amerika.

Hera, ein Muster jetzt bekannt, 1876 als gewebter Seide registriert worden war, und im Jahr 1900 als gedruckte Textil. Neu zugeschrieben wie die vorherige Zuordnung zum Silber Studio Dresser, gebildet 1880, war nicht möglich.

Quelle: www.christopherdresser.co.uk

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